Голос публики – опера, концерты, кулуары

Голос публики

опера • концерты • кулуары

 

Пластиковый стакан с пустотой. Глава вторая, музыкальная.

Автор: Андрей Тихомиров (17 апреля 2016 13:15)  |
 комментариев 7  

Филип Гласс

Предисловие редактора

Только что объявлены результаты премии «Золотая маска». Они, как полагается, устроили далеко не всех. Но в хоре недовольных особенно отчетливо слышны голоса за «Сатьяграху», которую защитники называют «уникальной оперой» (можно подумать, победившая «Хованщина» — не уникальна). С особым чувством нажимая на то, что она исполняется на санскрите — это как бы подразумевает особый духовный посыл. Не забывают и о том, что произведение триумфально шествует по театрам мира. Отчасти причины успеха «Сатьяграхи» были приоткрыты в первой части этого эссе, где речь, в основном, шла о биографии Филипа Гласса. Во второй, заключительной части автор материала композитор Андрей Тихомиров сосредоточился на музыкальных аспектах произведений Гласса — из чего они сдеэто дейланы, как работают. В частности, речь пойдет и о том, насколько «Сатьяграха» уникальна и насколько это опера. Особый интерес представляют мультимедийные сопоставления и примеры, обильно иллюстрирующие текст.

Федор Борисович, редактор проекта «Голос публики»


Если же вернуться к чисто музыкальным аспектам проблемы, то тут следует заметить, что на вызревающую идею минимализма работали и другие факторы, помимо знакомства с «ориентальной» музыкой: в том числе джаз с его долгими импровизациями и рок, приучивший слух к восприятию принципа многократной повторяемости закольцованных гармонических последовательностей. В 60-х годах все это уже было, как говорится, на слуху. Казалось бы — бери и работай, как работали с интонациями и ритмами своей эпохи все композиторы-классики, как это делал еще недавно Гершвин (и никакой Шенберг ему был не указ). Но в том-то и проблема, что воспитание, полученное усилиями двух поколений авангарда, растекшегося по музыкальным кафедрам университетов, закрывало для следующего поколения композиторов саму возможность подобного подхода. Зато перед людьми, чьи способности лежали в иной, не музыкальной сфере, открывались неплохие перспективы. Кейдж откровенничал в своей гаерской манере: «У меня нет, что называется, музыкального слуха, и никогда не было. Я не слышу, какой высоты звук. Весь аспект музыки, связанный с высотой звука, от меня ускользает. Высокий звук или низкий — это имеет для меня не столь уж большое значение».

Поскольку мелодия в «серьезной» музыке ХХ столетия была табуирована, роль гармонии с упразднением тональности была сведена практически к нулю, а вместе с гармонией исчезла и привычная логика построения формы, то внимание композиторов естественным образом переключилось на ритм и тембр: в этих областях еще можно было куда-то двигаться. И тут атрибуты модной в то время восточной музыки с ее экзотическими инструментами, ритмикой, расцветающей на остинатной основе, и медленно текущим потоком повторяющихся элементов (все вместе вызывало ассоциации с геометрическими узорами арабесок), пришлись очень кстати.

Но человек запада все равно остается самим собой, даже если он заплетет бороду в косичку, объявит себя вегетарианцем и обучится игре на ситаре и табле. Американские негры, взяв в руки саксофон — изобретение бельгийца Адольфа Сакса, тоже заиграли на нем отнюдь не Госсека и даже не Берлиоза. Правда, то, что у них в итоге получилось, африканской музыкой не назовешь: ведь они уже были афроамериканцами. Джаз стал новым, обогащенным примесями иных традиций, разделом западной музыки. То же самое произошло и с «восточными» экспериментами первых минималистов. Европейская музыкальная традиция, полумертвая, преданная уже третьим поколением «академических» композиторов, нашла в себе силы усыновить очередное заморское дитя и вырастить из него то, что впоследствии обернулось прекрасными страницами музыки Адамса, Пярта и многих других.

Рави Шанкар и Джордж ХаррисонФилип Гласс впервые соприкоснулся с индийской музыкальной культурой, когда он находился в Париже. Произошло это так. Американскому кинорежиссеру Конраду Руксу понадобилась музыка к его автобиографическому фильму «Чаппакуа» (основная тема фильма — галлюцинации алкоголика и наркомана, приезжающего в Париж, чтобы полечиться сном). Для озвучивания кошмарных «глюков» главного героя, и вообще для создания атмосферы сюра был приглашен Рави Шанкар, известный ситарист, композитор и популяризатор индийской музыки в Европе — тот самый, который чуть позже стал учителем самого Джорджа Харрисона.

Шанкар не пользовался нотной записью, и киностудии потребовался расшифровщик — эта работа была поручена Филипу Глассу, успевшему к тому времени обзавестись полезными знакомствами в художественно-театрально-киношных кругах. Но Гласс не был фольклористом, и поначалу дело не заладилось, так что Шанкару пришлось просвещать американского коллегу на предмет ритмов в индийской музыке. Все это, вкупе с общением со специалистом по йоге, еще одним участником кинопроекта, произвело на Фила огромное впечатление. Захваченный новым увлечением, он отправляется в путешествие по Северной Африке, в Индию и на Тибет, дабы приобщиться к дзен-буддизму и секретам индийской музыки.

Считается, что в творчестве Гласса последующего периода можно обнаружить влияние этой музыки. Вопрос: в чем же конкретно оно проявляется? На мой непросветленный слух — практически ни в чем. Чтобы со мной согласиться, достаточно послушать для сравнения несколько индийских раг. Филип Гласс утверждает, что в его собственной музыке «усилена роль ритма». Якобы именно это воспринято им от индийской традиции, которая отличается большим ритмическим разнообразием по сравнению с европейской. Хм… У меня такое впечатление, что проблемами ритма Надя Буланже занималась со своими учениками на третьем году обучения, Гласс же, как мы помним, ограничился двумя годами.

Любому специалисту очевидно, что в отношении ритмического богатства и разнообразия профессиональная европейская музыка даст фору любой фольклорной традиции. Но вот если убрать из музыки мелодию… Правильно, тогда останется одна «усиленная роль» ритма. И только.

Philip Glass 1+1 for One Player & Amplified Table top 1968 cut

Philip Glass 1+1 for One Player & Amplified Table top 1968 cut

Очень похоже на озвученную схему из учебного пособия по игре на ударных инструментах.

А вот… Эх, радио бы выключить, оно только мешает.

Игра на ложках

Игра на ложках

А этот ирландец (Christy Barry) вообще виртуоз:

Christy Barry's spoons

Christy Barry's spoons

Дело, конечно, не в ритмическом разнообразии именно индийской музыки, а в периодических нарушениях привычной для европейского уха симметрии в организации музыкального потока. Именно это Гласс сделал фирменным приемом, начав создавать свои минималистские композиции. Я, правда, не уверен, что он не «подслушал» его еще у Стива Райха. У того в более ранних сочинениях тоже встречаются эти запрограммированные (а не произвольные, как в живой народной музыке) резкие сбои в метрической сетке, создающие у слушателя ощущение, сходное с сердечной аритмией. Эффективное средство для борьбы со сном, что и говорить. Только уж больно некомфортное и, уж конечно, имеющее отношение не к эстетике, а к физиологии.

Вообще, если уж говорить о влиянии индийских впечатлений на творчество Гласса, то я бы предположил, что главный смысл тут не в сходстве формальных элементов — ритма, тембров и тому подобного, а в идее использования музыки для погружения человека в нужное состояние. Собственно, и это уже было не ново, причем не только для психиатров. Голливуд вовсю пользовался отработанными музыкальными (а то и просто звуковыми) приемами, чтобы настраивать зрителя на соответствующий лад и усиливать эффект от визуального ряда. Да и в академической музыке можно найти примеры целенаправленного использования средств, позволяющие управлять сознанием (или подсознанием?) слушателя. Главный и самый «убойный» из этих приемов, разумеется, остинато: «Болеро» Равеля и «тема нашествия» из 7-й симфонии Шостаковича — классические примеры. Но, если я не ошибаюсь, Гласс первый композитор, который сделал подобные средства основой всего своего творчества.

Вскоре после прибытия в Нью-Йорк Филип Гласс вместе со Стивом Райхом организует ансамбль для исполнения своих новых сочинений. Через некоторое время тандем с Райхом распадается, и Гласс получает ансамбль в полную собственность. На первом концерте группы в зале 6 человек, один из них — мама Филипа. У публики ранняя минималистская музыка Гласса большого энтузиазма не вызывает: она все еще атональна и вдобавок маниакально однообразна, что только подчеркивается электронными тембрами синтезаторов. Слушатели то и дело закидывают исполнителей и автора помидорами, яйцами и другими продуктами, которые предусмотрительно берут с собой, идя на концерт современной музыки. Ничего страшного, даже наоборот — неплохое материальное подспорье для композитора, вынужденного в свободное от творческих экспериментов время зарабатывать на жизнь то водопроводчиком, то таксистом.

Но Фил, по обыкновению, не унывает. Он выступает со своим ансамблем в художественных галереях и студиях Сохо и в клубах, где обычно играли рок-музыканты. Используя тактику последних, Гласс записывает и выпускает свой первый альбом «Music with Changing Parts», и в 1974 году с ним подписывает контракт звукозаписывающая фирма Virgin, та же самая, которая работала с Майком Олдфилдом.

Надо отдать ему должное, Гласс контактен и по-человечески обаятелен — он умеет нравиться. И, в отличие от многих своих коллег-авангардистов, он не считает публику в зале пустой формальностью, анахронизмом, по какой-то причине не до конца еще изжитым в процессе эволюции концертной деятельности. Лично у меня это качество Гласса вызывает симпатию. К тому же, слушатели, а вслед за ними и критика — это мостик между Филом и его Великой Мечтой (вспомним об уроках, полученных в магазинчике Гласса-отца: «музыка — это бизнес»).

Первый прорыв в нужном направлении состоялся благодаря совместной работе Гласса с театральным режиссером Робертом Уилсоном, одним из крупнейших представителей американского авангарда. Результатом сотрудничества явился спектакль-инсталляция «Эйнштейн на пляже».

Это был действительно счастливый случай, когда идеи авангардного режиссера совпали с аналогичными установками композитора. Фирменная «мулька» Уилсона — многократная повторяемость одних и тех же элементов действа на сцене в сочетании с необычайно долгой временной протяженностью представлений. Спектакль получился стильным, и все бы хорошо, если бы не одно «но»: это не опера. Мягко говоря, в этом произведении отсутствуют все составляющие, которые позволили бы отнести его к оперному жанру. Певцов-солистов в привычном понимании здесь нет вообще — только небольшой хор, который вновь и вновь пропевает названия нот и цифр. Более-менее связные фразы, когда они появляются, не поются, а проговариваются. Вместо оркестра играет «Ансамбль Филипа Гласса», причем вначале была сделана студийная запись всей музыки, а уже потом она была адаптирована для исполнения в театре.

Фрагмент «Train» из «Эйнштейна на пляже»:

Philip Glass Ensemble - Train Spaceship (part 1)

Philip Glass Ensemble - Train Spaceship (part 1)

Спрашивается, почему это действо упорно называют оперой? Ответ угадывается без труда: нипочему. Сам Филип Гласс рассказывает об этом казусе так:

Оперным композитором я стал случайно. Когда Боб и я вместе работали над «Энштейном на пляже», он был оперой только технически, потому что единственным местом, где его можно было поставить, был оперный театр — нам требовалась оркестровая яма и большое свободное пространство сцены.

Деннис Рассел Дэвис

Это уж потом, когда благодаря этому спектаклю Гласса наконец заметила критика, его осенило: эврика! Опера — наше всё.

В 1979 году Гласс получает грант от Рокфеллеровского фонда и одновременно — по-настоящему крупный заказ. Для Роттердамского Муниципального театра он пишет новое сочинение под названием «Сатьяграха». Внимание: это был его первый опыт создания партитуры для симфонического оркестра (раннюю попытку, относящуюся к началу 60-х годов в расчет принимать не будем). Чтобы читателю было понятно, поясню: прежде чем взяться за оперную партитуру, композитору желательно создать не менее десятка оркестровых сочинений, прослушать их в живом исполнении, а затем исправить в каждом кучу ошибок. Неизвестно, чем бы закончилось дело, даже с учетом реалий ХХ века, но тут Глассу повезло. Он знакомится с профессионалом, дирижером Деннисом Расселом Девисом, и тот становится его незаменимым помощником. И, между прочим, первым исполнителем всех последующих крупных сочинений Гласса. Не случайно в документальном фильме о Филипе Глассе Девис постоянно маячит на экране.

Несмотря на то, что проект оказался весьма успешным и произведение идет во многих оперных театрах мира, назвать его «оперой» у меня опять-таки не поворачивается язык. Ораторией — еще куда ни шло. Более того, по своей структуре это «альбом», созданный по образцу альбомов рок-исполнителей и состоящий из восьми абсолютно самостоятельных композиций. Самостоятельных до такой степени, что позже, когда Гласс стал получать заказы от киностудий, одна из тем «Сатьяграхи», в немного иной аранжировке, перекочевала в фильм «The Hours».

«Сатьяграха», фрагмент (моральные терзания Махатмы Ганди)

Филип Гласс - Сатьяграха, фрагмент второго действия

Филип Гласс - Сатьяграха, фрагмент второго действия

Фрагмент из фильма «Часы» (The Hours)

Отрывок из фильма "Часы"

Отрывок из фильма "Часы"

А это ноты той же музыкальной темы, но проигрываемой в другом эпизоде.

Ноты произведения Филипа Гласса«I'm Going To Make a Cake»

Сейчас я вам это исполню на фортепиано. Обратите внимание — какие неловкие сочетания аккордов! Так подбирают музыку любители, нащупывая то, что лежит поближе, «под пальцами».

Дэвид БоуиВпрочем, подобные «самозаимствования» случаются у него сплошь и рядом. Правда, чаще, наоборот: например, первая и вторая части студийного альбома «Another Look at Harmony» были перенесены в «Эйнштейн на пляже». В этом нет ничего особенного: как известно, Вагнер вырастил своего «Тристана» из двух романсов на стихи Матильды Везендонк. Правда, замечу, что Вагнер использовал в «Тристане» свою собственную музыку. А у Гласса встречаются случаи, когда музыка, существующая первоначально в виде чужих альбомов, перекочевывает затем в его симфонии. Нет-нет, никакого плагиата, все было сделано при полном взаимном согласии: альбом известного киноактера и рок-исполнителя Дэвида Боуи «Low» был преобразован Глассом в симфонию №1, а его же альбом «Heroes» стал симфонией №4.

Но вернусь к «Сатьяграхе». Легко заметить, что по музыкальному языку она намного проще, чем «Эйнштейн на пляже». Поскольку новое произведение заранее предназначалось для исполнения оперной труппой, Глассу пришлось отказаться от большинства привычных технических приемов. Ведь оркестр — это вам не синтезаторы, а большой хор — не ансамбль певцов. При такой плотности звучания неизбежно должны возникать акустические помехи, которые сведут на нет эффект «учащенного сердцебиения», создаваемый при помощи быстрой пульсации закольцованных паттернов. Не говоря уже о метрических перебивках: это просто невозможно. Да и обычные исполнительские сбои весьма вероятны: люди ведь не механизмы. Вероятно, Девис это вовремя объяснил Глассу, так что темп музыки в «Сатьяграхе» по сравнению с «Эйнштейном» радикально замедляется (артисты передвигаются по сцене, словно пациенты в трансе на сеансе у гипнотизера). А от большинства экстравагантностей прежней поры остаются лишь два рудимента: «криминально» сложная партия сопрано и ужасающая нагрузка на психику, которую испытывают бедные оперные певцы, вынужденные заниматься распеванием повторяющихся простых интервалов и гамм, да еще и с текстом на санскрите. В финале «оперы» главный персонаж, Махатма Ганди, исполняет одну и ту же гамму в общей сложности аж 42 раза. В ля-миноре.

Если музыка «Эйнштейна» предполагает активное слушание, то музыка «Сатьяграхи» рассчитана на погружение зрителя в полусонное состояние, когда он «потребляет» не столько саму музыку, сколько символы спектакля, которые транслируются под эту музыку. С символами там все в порядке: Лев Толстой сидит и пишет, затем принимает позу памятника самому себе, Мартин Лютер Кинг воздевает руки в ораторском экстазе, хор бормочет что-то на санскрите — в общем, все, что нужно для того, чтобы завоевать симпатии «партии интеллектуалов», наличествует. Но самое интересное для меня здесь происходит все-таки в музыке. Вернее, с музыкой.

Не в бровь, а в Гла©с

Дело в том, что, начиная с «Сатьяграхи», Гласс наконец-то выруливает на тот путь, который приводит его к успеху. Ведь в чем состояла основная проблема? В том, что снобистские установки ХХ века требовали от композитора одного — постоянно подкармливать желание эстетов ощущать себя интеллектуальной элитой, а публика в своей массе желала другого -получать от музыки не только «чувство глубокого интеллектуального удовлетворения», но и просто удовольствие. Напряжение между этими двумя полюсами создавало «ветер», под который Гласс сумел подставить свой парус. Его гениальность состоит в том, что он вовремя понял: не стоит бороться с «предрассудками» публики, нужно, наоборот, отыскать такие «кнопки удовольствия», нажатие на которые сделает человека беззащитным перед самыми простыми, даже грубыми, но верными средствами.

Все эти средства известны композиторам с незапамятных времен. Это своего рода метки, которые опознает наш слух и на которые откликается душа. Но в музыке высокого класса эти «мемы» крайне редко встречаются в своем первозданном, «не очищенном» виде. Композиторы, как правило, стараются не злоупотреблять ими, окружают массой других музыкальных элементов и делают частью сложного построения, которое называется расплывчатым термином «музыкальный образ». Но представьте себе, что вы начинаете слушать музыку — и сразу, с первых же тактов, на вас неожиданно, без подготовки обрушивается целый комплекс таких «мемов», да еще и в сопровождения остинатного ритма, который сам по себе является сильнодействующим приемом! И начинает прокручиваться — раз, другой, третий, восьмой, шестнадцатый… Все, ваш мозг нокаутирован, вы расслабляетесь и полностью отдаетесь процессу выделения гормона дофамина. Если, конечно, у вас в организме нет крепких защитных механизмов. А в дальнейшем еще и стойкий эффект привыкания развивается: едва уловив знакомые аккорды, мозг отдает сам себе команду: «Отключись»!

Музыка — это всегда немного шаманство. Но шаманство, заключенное в определенные, трудноопределимые рамки, состоящие из множества правил и запретов, облагороженное требованиями хорошего вкуса. За их пределами искусство перестает быть искусством, и мне кажется, что Филип Гласс по меньшей мере балансирует на этой опасной грани.

По странному совпадению, в последнее время мне приходится часто задумываться над вопросом, который я слышу то от одного, то от другого любителя: «Ну объясните, пожалуйста, почему музыка Гласса так на меня действует? Я готов слушать ее часами!»

Что ж, давайте разберемся в том, как это работает.

Помните, в самом начале своего повествования я писал о «сундуке», в который Гласс, решив стать современным композитором, спрятал свои детские опыты? Как все первые пробы начинающих, они не отличались профессионализмом и неизбежно должны были содержать в себе банальности, на которые благосклонно отзывается невзыскательный вкус — «красивые» аккорды и другие простые, но «физиологически» действенные средства. И вот теперь он их все из сундука своей памяти достал.

Я называю эти средства, лежащие, главным образом, в области гармонических сочетаний, «фу-приемами». Экспериментаторы прошлого столетия изгнали из профессиональной музыки гармонию, она оказалась запертой в «резервации» попсы, там же осели и банальности. Гласс сделал то, на что не осмелился бы ни один «серьезный» композитор 20-го века: он выпустил этих маленьких «безобразников» на волю. Не то чтобы наш слух позабыл о них, нет. Но столкнувшись неожиданно для себя с этими «табуированными» средствами не в условиях популярного шлягера, а там, где этого совсем не ждешь, да еще и при атаке бесконечных повторений, мы оказываемся беззащитными перед ними, и наши вкусовые барьеры рушатся. Вот перечень этих «фу-приемов», которыми в своей музыке постоянно манипулирует Филип Гласс. Здесь мне, к сожалению, не обойтись без профессиональных терминов, но я постараюсь снабдить их примерами:

1. Нонаккорды и доминантсептаккорды, особенно в виде первого обращения, т. е. с вводным тоном внизу. Второй (после тонического трезвучия) аккорд, на который неизбежно натыкается каждый любитель, пытающийся подобрать любимую песню.

2. Сочетание аккордов I и VI ступеней. Сильнодействующий экстракт сентиментальности в музыке.

3. «Неаполитанская» гармония. Незаменимое средство для нагнетания «драматизма» без особых затрат.

4. «Испанский» тетрахорд, печально известный по пошловатым романсам на соответствующую тему. Судя по обилию использования этого приема в «Сатьяграхе», Ганди был всерьез обеспокоен судьбами Испании.

5. Терцовые чередования аккордов — со времен Листа считаются одним из самых жутких клише романтической музыки.

6. Фигурации по звукам аккордов (без опевания и мелодизации) — этот прием опять-таки свойствен самому примитивному любительскому типу музицирования.

7. Мелодическое движение точно по гамме. Всегда квалифицировалось как отсутствие у композитора мысли.

И еще парочка «фу-фу»: это просто ошибки, за которые Надя Буланже выгоняла своих великовозрастных учеников из класса.

Параллельные квинты, особенно заметные при их появлении между мелодией и басом.

Движение мелодии по гармонической гамме. Ужас-ужас-ужас!

«Фу-приемы» и корявости плавно перетекают из альбомов композиций в оперы и симфонии. И вот парадокс: в условиях строжайшей безмелодической диеты они начинают выполнять функцию «фирменных знаков» индивидуального авторского стиля. Правда, с возрастом, уже утвердившись в роли маститого симфониста, Гласс, по-видимому, начинает чувствовать, что для полноценной симфонии одних гармонических переливов все-таки маловато — желательно также наличие некоторых мелодических элементов. «Открытие» мелодии происходит у него в Девятой симфонии. Что ж, цифра «9», стоящая рядом со словом «симфония», давно и прочно ассоциируется у нас с вершиной, итогом творческой деятельности мастера.

Честь заказать маэстро это произведение поделили между собой три крупные организации: Брукнер-оркестр Линца, Карнеги Холл, и Филармоническое общество Лос-Анджелеса (гордись своим сыном, папа!)

Послушаем, что у него получилось:

Даже не знаю, что на это сказать. Может быть, лучше совсем без мелодии, чем с такой? Пусть уже критики констатируют с восторгом рождение нового симфонического жанра — симфонии-«минусовки».

Ну и последнее: о моем собственном отношении к творчеству Филипа Гласса. Оно неоднозначно. С одной стороны, я не могу не приветствовать явление в современной музыке, которое перекидывает мостик от схоластики к слуху. Иногда метод Гласса дает очень неплохие результаты, которые вполне поддаются оценке по нормальной эстетической шкале: например, я не без удовольствия прослушал его Скрипичный и Виолончельный концерты. Скажу больше: даже операция «опопсения», которую Гласс произвел над минимализмом, мне кажется более предпочтительной, чем бесконечное нагромождение диссонансов и надувательство с «пьесами» для скрипки и восьми велосипедных колес. С другой стороны, то, что он делает, может надолго снизить критерии вкуса, позволяющие людям отличать хорошую музыку от подделки. В принципе, результаты этого мы уже видим в критических статьях, авторы которых, считающие себя экспертами и, несомненно, претендующие на интеллектуальность и хороший вкус, дружно восхищаются «могучим симфонизмом», «глубоким полифонизмом» и «по-вагнеровски эпическим оперным стилем» Гласса. Но, как я уже говорил, вопросы в связи с этим у меня возникают именно к «интеллектуалам», а не к Филипу Глассу. Его я могу только поздравить с успехом.

Похожие темы

  • «Сатьяграха»: упанишады, шарлатанство и просветление

    Память не обмануть — оказавшись в знакомом месте при сходных обстоятельствах, она оживляет воспоминания и пытается отождествить события даже вопреки голосу здравого смысла. Сидя в зале Новой сцены Большого театра,…

  • Пластиковый стакан с пустотой. Глава первая, биографическая.

    Предисловие редактора Итак, очередь постановок оперы «Сатьяграха» дошла до России. Более того, некоторыми экспертами спектакль называется главным претендентом на победу в национальной премии «Золотая маска». По законам жанра теперь…

  • Уходящая в прошлое «музыка будущего»

    На днях я прочитал опубликованное на страницах «Голоса публики» эмоциональное эссе Александра Тлеуова «Что делать?». Излюбленный вопрос русской интеллигенции на этот раз отнесен к проблемам современной музыки. Конечно, сам факт,…

Рубрика: Кулуары Сатьяграха  Филип Гласс 

Комментарии

  1. Илья

    17 апреля 2016 at 12:01

    Да, все приёмчики узнал :-)
    А на счёт подрывания вкусов публики. Тут Гласс далеко не одинок. Начну с авангардистов. После моего длительного увлечения авангардом и "умеренным модернизмом" (которое, фактически, длится и сейчас, правда, без былого умопомешательства на нём) я привык к тому, что диссонансы и прочие отступления от гармонии - это норма. Поэтому после нововенцев, концертов и симфоний Шнитке, скрипичного концерта Хиндемита (я его давно слушал, даже забыл о нём, только сейчас вспомнил), симфоний Уствольской и т.д., вот после всего этого, когда я слушаю ролик на YouTube, где кто-то играет современное скрипичное сочинение и вдруг откровенно "ляпает", я понять не могу, это было сыграно чисто или нет. Ведь вполне возможно, этот "ляп" был прописан в партитуре. Подрыв ли это моего вкуса? Наверное, можно сказать, да.
    Но чёрт с ними, с авангардистами, их всё равно никто не слушает, кроме любителей острых ощущений.
    Есть такое направление в поп-музыке New-Age. Хотя я считаю, что его уже можно записать в академическую музыку, так как его как поп-музыку никто, кроме музыкантов и ярых меломанов, и не воспринимает. Но как оказалось, так считаю не только я: в 2013 году Ханс Циммер получил премию в области классической музыки Classical BRIT Awards, а Карл Дженкинс и Людовико Эйнауди записываются на лейблах, которые специализируются на классической музыке, например, EMI Classics и Sony Classical.
    И New-Age тоже весь напичкан Вами упомянутыми приёмчиками.
    Ну ладно, к чёрту New-Age, "это же попса", это не для эстетов. Ведь есть настоящие гении, например, Арво Пярт (я уже откровенно стебусь). Мне кое-что нравится из его современного стиля, например, Festina Lente. Но будем говорить честно, от New-Age то, что он пишет, далеко не убежало.
    Так что, Гласс, в плане подрывания музыкального вкуса, - это одна маленькая минка на огромном минном поле. Да и в поп-музыке все эти же банальности живут совершенно спокойно. Я не знаю, как к этому относиться, но скорее отношусь по Стравинскому: "Современная музыка — это самая интересная из когда-либо написанной музыки, и настоящий момент — самый волнующий в истории музыки. Так было всегда".
    А на счёт, 9-ой симфонии Гласса, я её всегда считал полным убожеством как и всю его киномузыку, кроме Koyaanisqatsi (это просто обожаю). Из симфоний мне нравятся у него 3-я (III часть), 5-ая и 8-ая (I часть).

    Ответить
    • Андрей Тихомиров

      17 апреля 2016 at 20:28

      Ну, во-первых, New-Age - это слишком общий термин, кого только к нему не относят. Во-вторых, все может быть хорошо на своем месте. Когда Мишель Крету сочиняет и записывает свои композиции для альбома "Enigma", это у меня не вызывает никаких возражений. Вот если бы он объявил "MCMXC a.D" мессой или симфонией, а критики с готовностью его поддержали, то у меня возникли бы вопросы, причем не столько к нему, сколько к критикам.
      Есть огромная разница между этим и использованием профессиональным композитором в своем музыкальном языке элементов и даже некоторых приемов поп-музыки (назовем это так за неимением лучшего термина) - это как раз то, к чему я призываю. Пр условии, разумеется, что композитор владеет всем арсеналом навыков, позволяющих назвать его профессионалом. Но это явно не случай Гласса.

      Ответить
      • Илья

        17 апреля 2016 at 22:59

        У меня как раз есть одна симфония, которая Вас "побесит" :-))) Хотя после Симфонии №4 Галины Ивановны для контральто, гонга, трубы и фортепиано длительностью 5 минут, я думаю, Вас уже ничем не удивишь (Хотя я не знаю инструментальный состав Вашей Симфонии №1, когда Вы модернили). В общем, есть эстонский композитор Эркки-Свен Тююр, у него была своя группа "In Spe" в советские годы, и для неё он сочинил "Симфонию для семи исполнителей". Вот ссылка на вторую часть симфонии (Illuminato): https://www.youtube.com/watch?v=nktrXa3BzQ8
        Музыка, конечно, просто крутая, но почему это было названо симфонией?!

        Ответить
        • Андрей Тихомиров

          18 апреля 2016 at 08:48

          Илья, автор может назвать симфонией любое свое "судьбоносное" творение, если ему так угодно: среди композиторов, как и всюду, хватает людей с дурным вкусом. Вопрос не в этом, а в том, соглашаются ли с этим арбитры - критика, дирижеры, руководители филармонических обществ и т. д.

          Ответить
  2. Marina Mospan

    17 апреля 2016 at 16:08

    Спасибо, Андрей! После всего услышанного, смертельно захотелось еще раз переслушать "Мертвые души" А.Шнитке в гениальной интерпретации Г.Рождественнского.

    Ответить
  3. Илья

    18 апреля 2016 at 11:59

    Скажу честно, я в музыковедов не верю. Ведь сейчас задача музыковеда - это объяснить, почему (к чёрту симфонию, это - абстрактный жанр), например, опера Штокхаузена "Atmen gibt das Leben", где люди икают, которая к опере не имеет абсолютно точно никакого отношения, - это именно опера. Я читал много разных статей музыковедов. Мне интересно их читать, хоть я и не всегда всё понимаю. Вот результат:
    - Ханс Эйслер, "Немецкая симфония" для солистов, хора и оркестра (11 частей): у музыковедов это - антифашистская кантата;
    - Оливье Мессиан, Турангалила-симфония для фортепиано, волн Мартено и оркестра (10 частей): а вот это уже симфония, не сюита. Даже помню фразу "единственный образец симфонии в творчестве композитора". Хотя даже авангардист Юрий Красавин считает её именно сюитой;
    - Жан-Фери Ребель, Симфония "Элементы мироздания" (1738 г) (10 частей): а вот это самая интересная вещь, если в эпоху барокко Бах использовал слово "sinfonia" для трёхголосных инвенций, а итальянцы для увертюр (даже у оперы "Норма", вступительная часть называется "sinfonia", хотя это уже 19 век), здесь это слово употреблено для многочастного музыкального произведения. У неё авторский подзаголовок "simphonie nouvelle" ("новая симфония"). Вы вдумайтесь, эта симфония (для меня это - только симфония) - это первый образец использования кластера (эпоха барокко!) в классической музыке! Вы послушайте её первую часть: https://www.youtube.com/watch?v=dnlaCenlNHk , и тем не менее её постоянно называют то балетом, то сюитой, и очень редко симфонией.
    - Симфонии Уствольской, Тертеряна и Сильвестрова: это у музыковедов только симфонии, хотя там нет ни одного признака симфонии.
    - Рихард Штраус, "Альпийская симфония" (22 части): а вот это уже симфоническая поэма.
    И я такого могу назвать сколько угодно. Музыкальные критики сами уже не понимают, что чем считать. Мне, как слушателю, честно, назвал симфонией - значит, симфония. Какая разница межу 10-частной симфонией Турангалилой и 11-частной кантатой "Немецкая симфония", и 10-частной сюитой "Элементы мироздания", которые все озаглавлены авторами как симфонии? Почему их относят к разным жанрам, хотя ни одна из них не имеет никакого отношения к симфониям Чайковского, Бетховена или Брамса? Нет никакого объективного критерия оценки жанровой принадлежности, поэтому критики могут признавать что угодно чем угодно. Если по отношению к Эйслеру и Штраусу действуют ссылки на авторитетов, умерших крупных музыковедов (поэтому они и признаны кантатами и симфоническими поэмами), то уже с Уствольской и Тертеряном просто признаём по принципу "назвал симфонией, значит, симфония". Поэтому на признание критиков рассчитывать не стоит, они признают что угодно чем угодно. А на что можно рассчитывать? А Вы знаете, что Тююр не включил "Симфонию для семи исполнителей" в свой каталог? После неё он написал, по-моему, ещё 6 симфоний, более похожих на симфонии. А этой, хотя музыка прекрасная, там нет. Если бы не запись этого сочинения на фирме "Мелодия", мы бы о ней даже ничего не узнали. Так что, на критику рассчитывать не стоит, рассчитывать стоит только на совесть самого композитора.

    Ответить
    • Илья

      18 апреля 2016 at 12:13

      Честно скажу, что я его симфонии не слушал, слушал какие-то отрывки достаточно давно, он любит и ударные, и электрогитару, но звучало более "академично", чем симфония для семи исполнителей.

      Ответить

Добавить комментарий для Marina Mospan Отменить ответ

Рубрики

  • Опера
  • Концерты
  • Мюзикл
  • Премьеры
  • Кулуары

Метки

Оперы (81) загрузка...
Мюзиклы, оперетты (3) загрузка...
Фестивали, конкурсы, циклы (4) загрузка...
Певицы (175) загрузка...
Певцы (244) загрузка...
Музыканты (68) загрузка...
Коллективы (14) загрузка...
Дирижеры, хормейстеры (61) загрузка...
Композиторы (58) загрузка...
Театры, залы, площадки (34) загрузка...
Постановщики, менеджеры (87) загрузка...
А также (14) загрузка...

Фотонавигация

  • Ильдар Абдразаков, Елена Заремба, Дмитрий Корчак и Ольга Перетятько на фестивале «Вдохновение»

    Ильдар Абдразаков, Елена Заремба, Дмитрий Корчак и Ольга Перетятько на фестивале «Вдохновение»

  • «Иоланта» – премьера в Большом театре28 октября 2015

    «Иоланта» с причудами –
    премьера в Большом театре

  • «Холстомер»: откровения пегого мерина (КМТ 10.11.2015)

    «Холстомер»: откровения пегого мерина

  • «Евгений Онегин» в Большом: перезагрузка (06.11.2015)

    «Евгений Онегин» в Большом: перезагрузка

  • «Травиата» с Ольгой Перетятько в Мариинском театре

    «Травиата» с Ольгой Перетятько
    в Мариинском театре

  • «Хованщина» в Мариинском театре, 14 февраля 2016

    «Хованщина» с Ольгой Бородиной
    в Мариинском театре

  • «Пиковая дама» из Самары, 04.02.2016

    «Пиковая дама» из Самары
    на фестивале «Золотая маска»

  • Премьера «Манон» в МАМТ, январь 2016

    Премьера «Манон» в МАМТ

  • Концерт фестиваля «Мир контрабаса» памяти Леопольда Андреева

    Концерт фестиваля «Мир контрабаса»
    памяти Леопольда Андреева

  • Памяти Моцарта XX века

    Памяти Моцарта XX века

  • «Каменный гость» постучал в Большой театр

    «Каменный гость» постучал в Большой театр

  • Быки и коты – ночная экскурсия по театру «Геликон-опера»

    Быки и коты – ночная экскурсия
    по театру «Геликон-опера»

  • Упанишады, шарлатанство и просветление – «Сатьяграха» из Екатеринбурга на фестивале «Золотая маска»

    Упанишады, шарлатанство и просветление –
    «Сатьяграха» из Екатеринбурга
    на фестивале «Золотая маска»

  • Филип Гласс – секреты успеха самого исполняемого современного композитора

    Филип Гласс – секреты успеха
    самого исполняемого современного композитора

Присоединяйтесь!

Калейдоскоп

  •  

    Аида
    (МАМТ 13.09.2014)

  •  

    «Евгений Онегин» – дебюты и синкопы
    (Новая Опера 16.10.2015)

  •  

    Концертное исполнение «Андре Шенье»
    (КЗЧ 22.03.2016)

  •  

    «Евгений Онегин» в День всех влюбленных
    (Новая Опера 14.02.2015)

  •  

    Елена Зеленская в Бетховенском зале Большого театра

  •  

    Старая афиша «Бориса Годунова»

Информация

  • О проекте «Голос публики»
  • Правила использования фотографий
  • Фотографии для артистов и театров
  • Размещение материалов других авторов
  • Условия использования материалов сайта
  • Обратная связь

Голос публики © 2014 – 2022 · Все материалы сайта являются исключительной собственностью их авторов